© Mike Hoolboom

Motivation: “From a very strong program there were several impressive works, however there can only be one winner. The winning film highlights universal themes in a poignant, personal way. Through earnest dialogue and dreamlike imagery it laments sickness and death and how losing the ones you love is also losing part of yourself. A striking, warm film.”

Jury: Tara Judah, Australia (“Senses of Cinema”), Aleksander Huser, Norway (“Cinema”), Jennifer Borrmann, Germany (“HighNoon”).

Alle Gewinner im Überblick gibt’s hier.

Preise des Internationalen Wettbewerbs

Preise der Internationalen Jury
Mitglieder der Internationalen Jury:
Steve Holmgren (USA), Victoria Ilyushkina (Russland), Tran Luong (Vietnam), Daniela Pérez (Mexiko)

Großer Preis der Stadt Oberhausen
dotiert mit 8.000 Euro

Kirik Beyaz Laleler
Aykan Safoğlu, Türkei/Deutschland 2013, 24 min, DCP, Farbe

Begründung:
Wer kennt keine Frau, die ihre Haare blond gefärbt hat? Oder die nie – nicht einmal in Träumen – einen imaginären Freund hatte?
Aykan, vielleicht gehört die Geschichte deiner Beziehung zu James Baldwin nicht allein in das Reich der Fiktion. Deine Arbeit, eine Hommage an Baldwin, steht vielmehr auf der subtilen und brüchigen Grenze zwischen zwei Welten – der realen und der kreativen – ebenso wie zwischen den Zeiten/Augenblicken. Indem du Bilder von Baldwin geschickt mit deiner persönlichen Erkundung verknüpfst, stellt Kirik Beyaz Laleler zahlreiche schöne Verbindungen mit den Zuschauern her. Wir freuen uns sehr, dass wir an deinem Porträt eines exilierten Schriftstellers teilhaben können, mit dem du drei Lebensjahre teilst (1984-1987).

Hauptpreis
dotiert mit 4.000 Euro

Ziegenort
Tomasz Popakul
Polen 2013, 19 min, DCP, Farbe

Begründung:
Der Schöpfer dieser Arbeit hat sich entschieden, seinen Film mit dem großzügigen Vorschlag einzuführen, dass wir alle gut zueinander sein sollen. Diese Botschaft wird künstlerisch gestaltet und mit Hilfe einer Reihe animierter Zeichnungen verkündet, die zahlreiche Tiefen und Perspektiven aufweisen. Diese regionale und semi-autobiographische Erzählung bleibt auf die schönste Art und Weise unvergesslich. Tomasz Popakul, Danke, dass du uns ans Meer mitnimmst: durch schwarzweiße Bilder, die komplexe, schwelende Atmosphären schaffen, ohne Schnorchel oder Sauerstofftank.

ARTE-Preis für einen europäischen Kurzfilm
dotiert mit 2.500 Euro

Dad’s Stick
John Smith
Großbritannien 2012, 5 min, HDCAM, Farbe

Begründung:
Mr. John Smith, ein Lineal, eine Tasse (und ziemlich viel Farbe). Es ist uns eine Ehre, Mr. Tony Smith vorgestellt zu werden. Ein fein geknüpftes Netz winziger Details bereichert und ermöglicht das tiefe und farbenfrohe Eintauchen in das persönliche Palimpsest von Erinnerungen, das Dad’s Stick so beeindruckend zusammenfasst.

Lobende Erwähnungen der Internationalen Jury

Rogalik
Paweł Zielmilski
Polen 2012, 17 min 30 sec, DCP, Farbe

Journal
Sirah Foighel Brutmann, Eitan Efrat
Belgien 2013, 16 min, Blu-ray, Farbe

A onda traz, o vento leva
Gabriel Mascaro, Brasilien/Spanien 2012, 28 min, DCP, Farbe

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Preis der Jury des Ministeriums für Familie, Kinder, Jugend, Kultur und Sport des Landes Nordrhein-Westfalen
dotiert mit 5.000 Euro

Mitglieder der Jury:
Oliver Baumgarten (Köln), Jana Debus (Köln), Georg Elben (Marl), Maike Mia Höhne (Hamburg/Berlin), Ruth Schiffer (Düsseldorf)

Montaña en sombra
Lois Patiño
Spanien 2012, 14 min, DCP, Farbe

Begründung:
Wir zeichnen einen Film aus, dessen Narration sich allein aus der Kraft der Bilder entwickelt. Er zeigt uns einen Berg, dem der Mensch tiefe Narben zufügt. Mit herausragendem Handwerk arbeitet die Kamera an der Grenze zu schwarz-weiß den Kontrast zwischen mächtiger Natur und menschlichem Tun als skurrilem Skiballett heraus. Ein Berg in Trauer – “montana en sombra” von Lois Patiño.

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Preis der Internationalen Filmkritik (FIPRESCI-Preis)

Mitglieder der Jury:
Jennifer Borrmann (Deutschland), Aleksander Huser (Norwegen), Tara Judah (Australien)

Buffalo Death Mask
Mike Hoolboom
Kanada 2013, 23 min, File, Farbe und s/w

Begründung:
In einem sehr starken Programm haben wir mehrere beeindruckende Arbeiten gesehen, aber es kann nur einen Gewinner geben. Unser Preisträger wirft ein anrührendes und persönliches Licht auf universelle Themen. Mit ernsten Dialogen und traumartigen Bildern beklagt er Krankheit und Tod und wie der Verlust geliebter Menschen auch der Verlust eines Teils des eigenen Selbst ist. Ein beeindruckender und warmherziger Film.

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Preis der Ökumenischen Jury
dotiert mit 1.500 Euro

Mitglieder der Jury:
Daniel Gassmann (Schweiz), Irina Grassmann (Deutschland), Fr. Petr Vacík, SJ, (Tschechische Republik), Eberhard Streier (Essen)

Nation Estate
Larissa Sansour
Dänemark/Palästinensische Gebiete 2012, 9 min, DCP, Farbe

Begründung:
Der Film packt in Science Fiction-Form ganz Palästina in ein Hochhaus. Im sterilen Inneren bleibt der sehnsüchtige Blick durchs Glas auf die frühere Heimat. In stilisierter Form und mit genauem Blick für Details inszeniert der Film eine Utopie des ungelösten Konflikts.

Lobende Erwähnung

Yellow Fever
Ng’endo Mukii
Großbritannien 2012, 7 min, DigiBeta, Farbe

Begründung:
Helle Haut als Schönheitsideal verführt viele Mädchen und Frauen in Afrika zu schmerzhaften Versuchen, ihr Äußeres zu verändern. Der Film, der auch im Kinder- und Jugendfilmwettbewerb lief, inszeniert die Befindlichkeit des Ungenügens in einem spannenden Mix von Collage, Animation und Tanz. Er thematisiert geschickt die rassistischen Ursachen des Minderwertigkeitsgefühls und deren Verfestigung durch die heutigen Medien.

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ZONTA-Preis
dotiert mit 1.000 Euro
für eine Filmemacherin aus dem Internationalen oder Deutschen Wettbewerb

Diary #2
Adina Pintilie
Rumänien 2013, 16 min, DCP, Farbe

Begründung:
Entstanden als experimentelle Versuchsanordnung zwischen Schauspielerin und Regisseurin, tastet sich der Film in die Erinnerung und Körperlichkeit seiner Protagonistin vor. Blicke, Gesten und Gerüche verbinden sich zu einer Erzählung von großer Schönheit. Die Spannung zwischen Begehren und Erfüllung wird gezeichnet über eine Geschichte des Körpers; eine allmähliche Vergewisserung der sinnlichen Gegenwart setzt ein. Diese Setzung einer dokumentarisch-fiktionalen Improvisation wirkt nach.

Preise des Deutschen Wettbewerbs

Mitglieder der Jury des Deutschen Wettbewerbs:
Alice Koegel (Stuttgart), David Steinitz (Berlin), Dirk Schaefer (Berlin)

Preis für den besten Beitrag des Deutschen Wettbewerbs
dotiert mit 5.000 Euro

Neununddreißig
Patrick Richter
Deutschland 2013, 27 min, DCP, Farbe

Begründung:
Unter all den verschiedenen Genres dieses deutschen Wettbewerbs haben wir uns beim Hauptpreis für einen Film entschieden, der uns mit seiner Herangehensweise besonders berührt hat. Ein Film, der es seinen Zuschauern nicht leicht macht, und ein Film, der es auch seinen Machern nicht leicht gemacht hat. Wie weit kann man gehen, wenn man als Filmemacher das Thema seines Films ausgerechnet im engsten Umfeld findet und wo sind die Grenzen für das Abschalten der Kamera? Ein Heimvideo von schonungsloser Intimität hat der Regisseur dieses Films im Wettbewerb gezeigt. Ein Heimvideo, das die Grenzen des Dokumentarfilms auslotet. Neununddreißig Kilo sind das Traumgewicht des magersüchtigen Mädchens, das der Regisseur in seinem Film aus dem engsten Familienkreis heraus porträtiert hat.

3sat-Förderpreis
dotiert mit 2.500 Euro, für einen Beitrag, der sich durch eine neue Sichtweise auszeichnet.
Der Preis umfasst darüber hinaus das Angebot, den ausgezeichneten Beitrag zu erwerben und im 3sat-Programm zu präsentieren.

Beyond Love and Companionship
Lior Shamriz
Deutschland 2012, 18 min, HDCAM, Farbe

Begründung:
Die Aufgabe einer Jury ist immer das Suchen und beim Suchen sind wir auf einen Film gestoßen, der selbst das Suchen zum Thema hat. Identitätssuche ist ja ohnehin eines der großen Urthemen des Kinos und Schauplatz dieser Suche ist in diesem Fall Berlin, eine Stadt, die viele junge Sinnsuchende anzieht. Hier haben wir es mit einer jungen Frau zu tun, die von außen mit ihrem eigenen Ich konfrontiert wird. Außer ihr selbst scheint sie schon jeder durchschaut zu haben. Aber ist das wirklich sie? Was passiert, wenn man sich plötzlich neu entdeckt, das zeigt der Regisseur dieses Films mit dem Gespür des wahren Komikers, der stets am Abgrund balanciert.

Lobende Erwähnung

Continuity
Omer Fast
Deutschland 2012, 41 min, DCP, Farbe

Begründung:
Die Jury des deutschen Wettbewerbs vergibt in Oberhausen klassischerweise zwei Preise: den 3Sat Förderpreis und den Preis für den besten Beitrag des deutschen Wettbewerbs. In diesem Jahr möchten wir neben diesen beiden Preisen gerne noch eine lobende Erwähnung an einen Film aussprechen, der bereits andernorts viel Aufmerksamkeit bekommen hat. Der Film beschäftigt sich mit einem Thema, mit dem sich in den letzten Jahren viele Filmemacher auseinandergesetzt haben, allerdings greift er dafür auf ein außergewöhnlich breitgefächertes Repertoire zurück: In einem komplexen Mash-Up aus Elementen der Film- und Kunstgeschichte spielt er geschickt mit den Erwartungen der Zuschauer. Diese finden sich in einem Loop wieder, dem sie nicht entkommen können. Ein perfektes Labyrinth.

Preise des NRW-Wettbewerbs
Mitglieder der Jury:
Barbara Fischer-Rittmeyer (Dortmund), Natascha Gikas (Frankfurt am Main), Jens Schneiderheinze (Münster)

Preis für den besten Beitrag des NRW-Wettbewerbs
dotiert mit 1.000 Euro, gestiftet von der NRW.Bank

Krokodile ohne Sattel
Britta Wandaogo
Deutschland 2012, 15 min, Blu-ray, Farbe

Begründung:
Erinnerungen folgen keiner Chronologie – der Film von Britta Wandaogo auch nicht. Ihre 12-jährige Tochter Kaddi denkt nach über den Sinn des Lebens und über die Rolle in ihrer deutschen und ihrer afrikanischen Familie. Die Filmemacherin findet dazu in ihrem Familienfilmarchiv Material, das längst vergessene Eigenschaften und Stärken auch für Kaddi wieder sichtbar macht. Der sehr persönliche, fast intime filmische Dialog zwischen den Bildern der Mutter und den Worten der Tochter zeigt, wie Erinnerungen kultiviert werden können und damit das Hier und Jetzt begreifbarer wird.

Förderpreis des NRW-Wettbewerbs
dotiert mit 500 Euro, gestiftet von der NRW.Bank

Anfang Juni
Kerstin Neuwirth
Deutschland 2012, 11 min, HDCAM, Farbe

Begründung:
Mit starken, tableauartig angelegt Bildern und großer, atmosphärischer Dichte erschafft Kerstin Neuwirth einen mysteriösen Mikrokosmos. Frauen verschiedener Generationen agieren wortlos in einem weitläufigen Garten. Nur die Naturgeräusche sind zu hören. In welchem Verhältnis stehen die Personen zueinander, welche Rolle spielt der sich entziehende Mann? Ist ein Ausbruch möglich? Bewusst hält die Filmemacherin die Zuschauer auf Distanz und schafft dadurch Raum für eigene Interpretationen, Assoziationen und Erinnerungen.

Lobende Erwähnung

Das Tier das lügen kann
David Jansen
Deutschland 2012, 12 min, HDCAM, Farbe

Begründung:
Was ist der Sinn, was der Zusammenhang der meist beängstigenden, animierten Bilder in Das Tier das lügen kann? Die Vertreibung aus dem Paradies wird verhindert und trotzdem kann der Mensch nicht glücklich sein? Fehlt das Wort Gottes? Der Animationsfilm von David Jansen, phasenweise spannend wie ein Krimi, lässt verstört und ratlos zurück. Aber man hört noch lange nach dem Film nicht auf, nach dem Sinn zu suchen, und die befremdlich starken Bilder drängen sich wieder ins Bewusstsein. Das ist eine Qualität.

Preise des 36. Kinder- und Jugendfilmwettbewerbs

Preis der Kinderjury des Internationalen Kinder- und Jugendfilmwettbewerbs
dotiert mit 1.000 Euro, gestiftet von der Neue Ruhr Zeitung

Mitglieder der Jury:
Pelin Akman (10 Jahre), Ole Bauer (11 Jahre), Lea-Katharina Dyck (10 Jahre), Noah Laas (10 Jahre), Marie Zaksek (10 Jahre)

Yim & Yoyo
Anna van Keimpema
Niederlande 2012, 25 min, DCP, Farbe

Begründung:
Manche Freunde gibt es wirklich, andere Freunde gibt es nur in deiner Fantasie. Dass diese genauso wichtig sind wie die richtigen, sieht man in unserem Gewinnerfilm Yim & Yoyo von Anna van Keimpema. Es ist unglaublich, wie viel Fantasie Yim besitzt und wie er die in seinen Bildern zum Leben erwecken kann. Sogar seine Angst zu sprechen kann mit einem kleinen Fantasietrick überwunden werden. Das finden wir wirklich bewundernswert und an manchen Stellen muss man auch ziemlich lachen.

evo-Förderpreis der Kinderjury des Internationalen Kinder- und Jugendfilmwettbewerbs
dotiert mit 1.000 Euro, gestiftet von der Energieversorgung Oberhausen AG (evo)

I’m Going to Mum’s 
(Ich gehe zu Mama)
Lauren Jackson
Neuseeland 2012, 12 min 30 sek, HDCAM, Farbe

Begründung:
Eltern können auch Freunde sein. Was macht man aber, wenn sie sich nicht mehr verstehen? Jacob geht in einen Kleiderstreik. Dick eingepackt kann er sich fast überhaupt nicht mehr bewegen – dafür bewegen sich seine Eltern wieder aufeinander zu. Dieser Film zeigt auf sehr, sehr lustige Art und Weise, dass es wichtig ist, sich für Sachen einzusetzen, die man liebt. Deswegen ist I’m Going to Mum’s von Lauren Jackson unser nächster Gewinnerfilm.

Lobende Erwähnung

Pryg Skok
(Springfrosch)
Leonid Shmelkov
Russland 2012, 5 min, DCP, Farbe

Begründung:
In unserer lobenden Erwähnung geht es um Fantasie und Freundschaft zugleich. Man braucht Fantasie, um sich die Wesen, die in diesem Film über die Leinwand hüpfen, vorzustellen. Sie hüpfen zusammen und streiten auch mal. Aber das Wichtigste: am Ende ist alles wieder gut. Wie lustig dieser Film ist, lässt sich einfach nicht beschreiben, deshalb hoffen wir, dass Pryg-Skok von Leonid Shmelkov noch auf vielen Festivals läuft.

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Preis der Jugendjury des Internationalen Kind er- und Jugendfilmwettbewerbs
dotiert mit 1.000 Euro, unterstützt von der Sir Peter Ustinov Stiftung

Mitglieder der Jury:
Melwin Budde (16 Jahre), Saskia Eichler (16 Jahre), Lukas Früchtenicht (17 Jahre), Ann-Danielle Hartwig (16 Jahre), Luisa Lengowski (17 Jahre)

Yardbird
(Im Käfig)
Michael Spiccia
Australien 2012, 13 min 30 sek, 35 mm, Farbe

Begründung:
Unser Gewinnerfilm ähnelt einem Puzzle – erst nach und nach baut sich im Verlauf dieses Films eine Geschichte auf, die uns allen gänzlich neu und unbekannt war. Wir begleiten ein Mädchen, das sich mit besonderen Fähigkeiten einen Weg aus der Tristesse eines Schrottplatzes hinein in ein neues und hoffentlich lebenswerteres Leben bahnt.
Getragen wird diese außergewöhnliche Geschichte hierbei zum einen von Überraschungsmomenten, die uns beim Schauen zum ständigen Nachdenken und Mitfiebern angeregt haben. Zum anderen aber auch von seiner bemerkenswerten Stimmung, die in der gesamten Machart und Gestaltung des Films aufgegriffen wird. Wir möchten deshalb Yardbird von Michael Spiccia als besten Film des Jugendwettbewerbs auszeichnen.

Lobende Erwähnung

Mila
Kristina Wagenbauer
Kanada/Schweiz 2012, 17 min, DCP, Farbe

Begründung:
Unsere lobende Erwähnung möchten wir einem Film aussprechen, der uns von vorneherein mit seinem gelungenen Spannungsbogen gefesselt hat. Die Problematik, mit der sich die junge Hauptdarstellerin dieser Geschichte auseinandersetzen muss, sowie ihre damit einhergehende kontrastreiche Gefühlswelt wurden für uns alle nachvollziehbar in Szene gesetzt.
Die professionelle Machtart des Films mitsamt der gut gewählten Drehorte und der harmonischen Farbgestaltung haben uns nachhaltig beeindruckt und begeistert. Hierbei möchten wir vor allem die großartige musikalische Gestaltung hervorheben – da Musik in diesem Film nicht nur ein Gestaltungsmittel unter vielen ist, sondern als Handlungsträger im Mittelpunkt der Geschichte steht.

Prädikat der Ökumenischen Jury für einen Film im Internationalen Kinder- und Jugendfilmwettbewerb
verbunden mit der Empfehlung an Matthias Film und das Katholische Filmwerk, diesen Film für ihre Filmarbeit anzukaufen

Quand ils dorment
(Wenn sie schlafen)
Maryam Touzani
Marokko 2012, 18 min, Blu-ray, Farbe

Begründung:
Die 8-jährige Sara liebt ihren Großvater. Als er unerwartet stirbt, sucht sie einen Weg, sich trotz religiöser Konventionen von ihm zu verabschieden. Der Film greift ein universelles Thema in einer uns fremden Kultur auf. Er überzeugt durch seine direkte Kamera und unprätentiöse Erzählweise. Ein Film, der Kinder und Erwachsene gleichermaßen berührt.

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Kurzfilmtage mit erfreulicher Bilanz

Am 7. Mai gingen die 59. Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen mit der Preisverleihung im Oberhausener Lichtburg Filmpalast zu Ende. Mit etwas über 18.000 abgegebenen Karten konnte das Festival die Besucherzahl im Vergleich zum Vorjahr (17.500) leicht steigern. Nebenbei haben die 59. Kurzfilmtage einen Rekord aufgestellt: 2013 erlebt das Festival, gemessen an den Eintritten, den besten Samstag, seitdem die Kurzfilmtage Besucherzahlen erheben.

Auch das Fachinteresse ist gestiegen, knapp 1.150 akkreditierte Industrievertreter akkreditierten sich bei den 59. Kurzfilmtagen (im Vorjahr knapp 1.100). Die Filmemacher und Fachbesucher kamen aus 54 Ländern auf allen fünf Kontinenten. 128 Regisseure kamen nach Oberhausen, um ihre Filme vorzustellen, darunter Luther Price, Laure Prouvost, Helga Fanderl, Ho Tzu Nyen und zahlreiche Filmemacher aus den Wettbewerben.

Zu den beliebtesten Festivalprogrammen gehörten 2013 der Deutsche und Internationale Wettbewerb und wie immer die Musikvideoprogramme MuVi-Preis und MuVi International.

Die Preisverleihung fand gestern abend im Lichtburg Filmpalast, Oberhausen, statt.

Die Jury:
Isabelle Gaudefroy, Kuratorin und Produzentin, Frankreich
Christian Höller, Autor, Österreich
Michel Klöfkorn, Filmemacher, Deutschland

Präambel:
Die diesjährige Auswahl zeigt einmal mehr, welch konzeptueller Aufwand für die visuelle Umsetzung eines Musikstücks nötig ist, und welch vielfältige Stilmittel mittlerweile in sie einfließen. Das Spektrum der gezeigten Arbeiten hat der Jury eindrücklich vor Augen geführt, dass sich im Clip-Bereich inzwischen ein solides Niveau etabliert hat, auf dem sich nur schwer eine Arbeit gegenüber allen anderen hervorheben lässt. Nichtsdestotrotz war es uns ein Anliegen, Arbeiten zu honorieren, welche die abgesicherten Wege verlassen und bereit sind, ein ästhetisches Wagnis einzugehen. Nach langer Beratung haben wir uns entschlossen, nicht ein einzelnes, sondern drei der gezeigten Werke auszuzeichnen. Wir möchten also nicht einen ersten und einen zweiten Preis vergeben, sondern – gänzlich unhierarchisch – drei diesjährige MuVi-Preise, jeweils dotiert mit 1.000 Euro.

Es war uns wichtig, aus dem vertretenen Spektrum drei Ausblicke aus dem Hier und Jetzt auszuwählen, mit ganz unterschiedlichen Perspektiven, aber einer starken Verankerung in der Gegenwart. Unsere Preise gehen an:

Heike Aumüller für Therapeutikon (The Schwarzenbach), Deutschland 2012
Therapeutikon trifft den Nerv der Zeit insofern, als das Eingeschlossensein in den Verhältnissen – und zwar nicht nur „der Bekloppten“, wie es in dem Stück heißt – darin visuell wie musikalisch auf den Punkt gebracht wird. Beckett und Boy George in der entmöblierten Einfamilienwohnung.

Heinz Emigholz für Moth Race (Kreidler), Deutschland 2012/13
Moth Race von Heinz Emigholz führt uns in die vermeintliche Ferne und zeigt uns in der Uniformität des Transitraums, dass gleich um die Ecke der Moderne das Absurde lauert.

Željko Vidović für Palimpsest (Smog), Deutschland 2012
Palimpsest schließlich begibt sich im positiven Sinn auf Abwege und geht das Risiko ein, sich im Grenzbereich von Tod und Wiederbelebung zu verirren. Turiner Leichentuch und verstörende Animation, das alles zu nur spärlich hörbarer Musik.

Wir gratulieren den Preisträgern sowie allen übrigen FilmemacherInnen und hoffen, dass der Clip auf der Leinwand auch weiterhin so lebendig bleibt.

MuVi Online-Publikumspreis
ermittelt durch Abstimmung im Internet und dotiert mit 500 Euro

Andreas Menn für Left on a Little Farm (Stan Back), Deutschland 2012

„Imagined Communities“ (Ishii Haruyuki, Japan 2012) visualisiert rasend schnellen Städtebau und drastischen Anstieg der Population auf eindrückliche minimalistisch und animiert Art. Der Kurzfilm ist – im positiven Sinne – unerträglich, der Mix aus Musik und Bildern bringt einen zum Schreien.

„GHL“ (Lotte Schreiber, Austria 2012) steht für das Gänsehäufel, ein Stadtbad in Wien. Ein Mann scheint etwas verloren auf dem Gelände außerhalb der Saison und telefoniert mit einer Frau. Ein Versuch, tiefsinnig einen Kommentar zur Wirtschaftskrise zu liefern.

„Montaňa en Sombra“ (Lois Patiňo, Spain 2012) zeigt Skifahrer auf einem Gletscher in großartigen und eindrucksvollen s/w-Bildern. „Arbor“ (Janie Geiser, USA 2012) hingegen ist ein filmisches Spiel über Photographie mittels Irisblenden und animierten Schattenspiele à la Lotte Reininger.

(Einschub: Kurzer vermummter Unterbrechungsversuch durch Mitglieder der Antifa mit dem Aufruf zur Demonstration nächste Woche in Oberhausen und zum Gedenken an den 8. Mai als Tag der Befreiung – also: Alle hingehen!)

Das Internet ist eine der möglichen Auswertungsformen, die in Zukunft noch stärker genutzt werden. Das Festival möchte sich also kritisch mit den zukünftigen Rahmenbedingen seiner Arbeit auseinandersetzen, so Gass. In diesem Jahr wurden dafür 6700 Filme eingereicht, wobei es lediglich etwa 130 davon auf die Leinwand schaffen. Wehling sprach von der Verlässlichkeit hier im Kino, wo es Kurzfilme zu sehen gäbe, die woanders nicht gezeigt werden und endete mit dem Aufruf an die Landesregierung, ihren Auftrag wahrzunehmen und sich für mehr Filmbildung einzusetzen. Auch die Ministerin für Familie, Kinder, Jugend, Kultur und Sport des Landes Nordrhein-Westfalen (was ein Titel…) Ute Schäfer pflichtete ihm in ihrer Rede bei.

Festivalleiter Lars Henrik Gass stellte dann die Frage, die aus der Migration des Films folgt: Wozu noch Filmfestivals? Seine Antwort: Sie besitzen eine radikale Gegenwärtigkeit. Hinter jedem Film stehe außerdem das Bedürfnis nach Öffentlichkeit und sozialer Energie, die vielleicht heute nötiger als sonst sei. Diese Zugänglichmachung leistet das Festival auch nach der offziellen Festivalzeit, wenn Filmemacher ihre Filme zu ihren eigenen Preisen auf der Website der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen präsentieren können. Zum Abschluss machte auch er nch einmal darauf aufmerksam, dass es in Deutschland mehrere 100 Millionen Euro Filmförderung gibt, davon jedoch nichts für Filme ausgegeben wird, die in irgeneiner Art künstlerisch sind, die nicht von Fernsehanstalten weiterverwertet werden – das muss sich ändern!

Nominiert sind unter anderen die Filme “Oh Boy”, “Lore”, “Could Atlas”, “More than Honey”, “Hannah Arendt”, die Schauspieler und Schauspielerinnen Edin Hasanovic für seine Leistung in “Schuld sind immer die Anderen”, Tom Schilling für seine Rolle in “Oh Boy”, Birgit Minichmayr für ihre Rolle in “Gnade”, Barbara Sukowa für “Hannah Arendt”, Anne Fabini für den Schnitt in “More than Honey” und viele mehr.

Alle Nominierungen findet ihr hier.

Das ZDF überträgt die Preisverleihung zeitversetzt um 22.20 Uhr.

Einen kleinen Vorgeschmack gibt es hier.

Hier könnt ihr die Gewinner des Deutschen Filmpreises 2013 nachlesen.

Seit wann beschäftigst Du Dich schon mit Film und Kino? Was bedeuten diese Begriffe für Dich?

JvB: Das Medium „Film“ packt einen, sobald man auf die Welt kommt und man ein einigermaßen laxes Elternhaus hat, das einen früh mit audiovisuellen Medien in Kontakt treten lässt. „Kino“ spielte da eigentlich immer eine untergeordnete Rolle und die großen Filmmomente erlebte ich in den drei Fernsehprogrammen, die damals zur Verfügung standen. Da man keine große Wahl hatte, stürzte man sich auf die alten Klassiker (Hitchcock, Jack Arnold). Später kam dann das böse „Kassettenfernsehen“ (VHS) und das Privatfernsehen. Kino war ein seltenes, weil teures Vergnügen. Zudem gab es in unserer Stadt gar kein Kino, so dass man umständlich in die nächste Stadt fahren musste. In meiner Mediensozialisation hat Kino also keine große Rolle gespielt und den Erfahrungs- und Erlebnisraum „Kino“ habe ich erst viel spät kennen und lieben gelernt. Eigentlich erst so richtig, seit ich im Traumakino angefangen habe, mich ehrenamtlich zu engagieren: einem alternativen Off-Off-Kino im soziokulturellen Zentrum „Café Trauma“ in Marburg.

Ich hatte schon immer eher ein Faible für jene Art von Film, die es eher nicht im Kino zu sehen gab, also Klassiker und Direct-to-Video-Genrefilme und Experimental- und Mash-Up-Filme und No-Budget-Produktionen. Und als großer Freund des Horrorfilms war man in den 90er-Jahren völlig unterversorgt. Viel aufregender war da der Gang in die nächste Videothek. Auch heute finde ich den Genrefilm, den man im Kino zu sehen bekommt, eher fade und austauschbar. Die Programm- und Arthouse-Kinos könnten hier eigentlich eine Lücke füllen, tun sie aber leider nicht, da Genre nicht in deren elitäres Programmprofil passt. Daher findet im Multiplex-Kino der tendenziell eher uninspirierte Genre-Mainstream statt. Natürlich gibt es da immer wieder großartige Ausnahmen.

Wie kamst Du zur Idee, “Drop-Out Cinema” zu gründen und gibt es Vorbilder – womöglich auch im Ausland?

JvB: Die Idee zu Drop-Out Cinema ist aus meiner Praxiserfahrung in der Programmarbeit im Traumakino erwachsen. Die Rahmenbedingungen, unter denen Kommunale Kinos und Filmclubs ihre wertvolle und leider in der Öffentlichkeit zu wenig gewürdigte kulturelle Filmarbeit leisten, war für mich ein stetes Ärgernis. Unterstützung von kommunaler Seite gibt es ja in vielen Fällen nicht, und die gewerbliche Kinobetreiber vor Ort setzen häufig auch alles daran, eine Konkurrenz zu verhindern – so geschehen in Marburg. Der Kinomarkt ist auf lokaler Ebene, insbesondere in kleineren Städten, völlig monopolisiert. Ein Gewinn für die Kultur ist es immer, wenn Kinos in Konkurrenz um den Zuschauer buhlen können. Daneben sollte es aber auch einen geschützten Raum für Kinoarbeit als museale Aufgabe geben.

Auf politischer Ebene fehlt leider das Bewusstsein, filmmuseale und nicht-kommerzielle Kulturarbeit zu fördern. Die Filmförderung fördert die kommerziellen Arthousekinos mit z.B. 1,5 Mio. Euro jährlich über die Kinopreise des BKM (Beauftragter der Bundesregierung für Kultur und Medien, Bernd Neumann, Anm. Red.), während man die Kommunalen Kinos mit 20.000 Euro über den Kinemathekspreis abspeist. Es wäre ja für eine Kommune einfach und wohl auch nicht teuer, sich eine filmmuseale Programmschiene zu leisten – z.B. als Untermieter in einem gewerblichen Kino. Um aber Repertoire-Titel sehen zu können, muss man z.B. als Marburger erst nach Frankfurt ins Filmmuseum fahren.

In Marburg hatten neue Kinoinitiativen, wie z.B. das Uni-Kino, aber auch das Traumakino in seiner Frühphase, stets Probleme mit den gewerblichen Kinobetreibern. Die Hürden zur Gründung neuer Kinoinitiativen (Filmclubs, Off-Off-Kinos, KoKis) müssten gesenkt werden, dann würden sich sicherlich Enthusiasten finden lassen, die öffentlich Kinoprogramm machen, das war meine Idee bzw. hatte ich ja auch selbst erfahren, als mich ein Studienfreund auf die Unifilm Agentur aufmerksam machte, die ein sehr komfortables „Rundum-sorglos-Paket“ zur Filmclubgründung bietet. Allerdings versorgen die einen nur mit nicht-gewerblichen Vorführrechten, die u.a. auch die Werbetätigkeit stark einschränken. Hier ist also keine Konkurrenz zu den gewerblichen Kinos erwünscht. Genau diese Konkurrenz aber brauchen wir, um die wichtige Vermittlungsarbeit leisten zu können, um den Leuten Filmgeschichte und alternatives Kino nahezubringen. Kino könnte mehr sein, als bloßer Auswertungsort für aktuelle Kinostarts. Kino könnte ein Kulturraum sein, so wie das Theater oder das Konzerthaus oder das soziokulturelle Zentrum. Das Problem des Kinos ist: Kino funktioniert noch einigermaßen auf dem freien Markt, während Theater und Konzerthäuser massivste Subventionen benötigen. Daher sieht die Politik wenig Handlungsbedarf. Ein besseres Kino wäre möglich, aber dazu müsste wahrscheinlich erst ein Kinosterben her.

Die Kommunalen Kinos – oder besser: die „Kulturkinos“ (denn die allerwenigsten Kinos im Bundesverband kommunale Filmarbeit sind kommunal gefördert oder gar in deren Trägerschaft) – sind ein sehr heterogener Haufen, irgendwo verortbar zwischen Bildungsauftrag, Gegenkultur und bloße Initiative in einer unterversorgten Provinz. Diese Kinos sind einerseits den Marktgesetzen unterworfen und müssen schauen, dass sie die Verleihmindestgarantien von 80-130 Euro aufbringen, was bedeutet, dass man also Filme häufiger als einmal spielt, was dadurch auf Kosten der Programmvielfalt geht. Vielerorts funktioniert man auch als Arthouse-Kino-Ersatz und spielt die Arthouse-Top-10.

Bei uns im Traumakino hatten wir vor drei Jahren nur max. 3 Filme pro Monat gespielt, dabei jeden Film mindestens zwei- bis dreimal. Mehr als zwei Vorstellungen pro Woche konnten wir aufgrund unserer ehrenamtlichen Strukturen nicht bewältigen. Zu teuer wurde es aber, wenn man Filme nur einmal zeigte. Sechs Filme pro Monat waren personell (wegen der Koppelarbeit [16mm- und 35mm-Filme werden aufgeteilt in Akte auf ca. 4-6 Filmrollen geliefert, diese werden dann gekoppelt bzw. zusammengesetzt und neu aufgespult, damit sie dann in der richtigen Reihenfolge vorgeführt werden können, Anm. Red.]), aber vor allem finanziell nicht zu bewältigen, weil wir nur selten mit unseren Erlösen über die Mindestgarantien kamen. Dementsprechend mussten wir uns in der Kinogruppe (dem „Programmrat“) immer auf Filme einigen. 2009 hatte ich die Idee für eine regelmäßige Programmschiene, die – ohne Rücksicht auf die fiktive Zuschauerschaft – radikales Genre- und Kunstkino liefert. Alte B-Movies, No-Budget-Undergroundproduktionen, Experimentalfilme, aktuellere Nischenproduktionen und obskure Ausgrabungen aus den entlegendsten Teilen der Filmgeschichte. Beim Rechteclearing hatte ich dann natürlich schnell die Erfahrung gemacht, dass es für diese und die meisten Repertoire-Titel gar keinen deutschen Verleih gibt, und dass es auch im Ausland oftmals schwierig ist, den entsprechenden Rechteinhaber ausfindig zu machen. Oftmals ist ein großer detektivischer Aufwand nötig, aber hatte man den entsprechenden Rechteinhaber erstmal gefunden (und hatte er einem geantwortet), gab es zwar auch schwarze Schafe, die exorbitante Mindestgarantien forderten (1000 Euro für eine Vorführung ist auch schon vorgekommen – und zwar ohne Vorführkopie, d.h. die musste man sich gesondert bei einem Archiv besorgen, oder im nächsten Elektromarkt des Vertrauens…). Es gab aber auch etliche Rechteinhaber, bei Undergroundproduktionen nicht selten die Filmemacher selbst, die hocherfreut waren, dass man ihre Filme in einem Kino zur Aufführung bringt – und die auch sehr oft gar keine Filmmiete wollten.

Den allermeisten Filmschaffenden sollte auch eigentlich klar sein, dass die Kinorechte von Filmen, die jetzt gerade nicht durch eine große Marketingkampagne gepusht wurden und die auch schon als DVD verfügbar sind, im Prinzip ziemlich wertlos sind (im ökonomischen Sinne). Selbst bei großen Klassikern der Filmgeschichte kann man davon ausgehen, wenn man als Kinobetreiber nicht geschickt wirbt oder ein entsprechendes Stammpublikum entwickelt hat, dass der Besucheransturm ausbleibt. Warum sollte man sich Klassiker im Kino anschauen, wenn man die auch daheim im Fernsehen oder auf DVD sehen kann? Die Auswertung auf DVD/BluRay ist da ökonomisch betrachtet eher aussichtsreich (und da gibt es ja etliche Nischenlabels, die auch mit den obskursten Titeln erfolgreich sind).

So kam mir irgendwann die Idee, dass eine Institution schön wäre, die sich der Kinorechte von Repertoire- und Undergroundtiteln annimmt. Natürlich gibt es da auch schon Initiativen wie z.B. das Arsenal (Institut für Film und Videokunst e.V.), aber die Konditionen orientieren sich leider zu oft an den allgemeinen Marktgesetzen, d.h auch hier werden Mindestgarantien gefordert, die in keinem Verhältnis zur Publikumsakzeptanz stehen: selbst wenn man beim Abspiel auf eine eigene Vorführkopie (eine BluRay oder DVD) zurückgreifen will. BluRay hat sich für die kleineren, von der Digitalisierungsförderung ausgeschlossenen Kinos (die „Drop-Out Kinos“, wie sie Bernd Neumann nannte) mittlerweile zum Parallelstandard entwickelt. Wieso also nicht insbesondere für dieses Kinosegment neue Rahmenbedingungen schaffen, ein Filmverleih, der bei der Kinonachverwertung gänzlich auf Mindestgarantien verzichtet. Und mehr noch: Ein Verleih, der die vollen Kinorechte auch an Kleinstinitiativen und Filmclubs vergibt, also keinen Unterschied zwischen einer Vorführung in einer Volkshochschule oder Café oder in einem Kino macht. Die Bedingungen für eine Filmclubbewegung, wie es sie in Deutschland mal auf breiter Fläche gab, sind ja durch die neuen digitalen Vorführmöglichkeiten so günstig wie noch nie: FullHD-Beamer in Kombination mit BluRay liefert ja Ergebnisse, die sich durchaus mit dem teils armseligen Projektionsverhältnissen in vielen Kinos messen lassen können. Viele Kneipen, Cafés und Kulturzentren sind – auch im Zuge des Public-Viewing-Trends während der Fußballwelt- und Europameisterschaften – ja bereits mit Leinwänden und Projektoren ausgestattet. Warum nicht diesen Orten zu risikoarmen Konditionen die Vorführung von Filmen ermöglichen? Drop-Out Cinema kann also nicht nur den „Drop-Out Kinos“ ( Diese Idee von einem Verleih mit gutem Zweck und kulturpolitischer Agenda trug ich also schon geraume Zeit mit mir herum.

Dass dies ein gutes Stück Arbeit bedeuten würde, war mir klar. Weil ich aber nun mit mittlerweile zwei Kindern gesegnet bin, musste ich allmählich Abstand von der Kinoarbeit nehmen, die mit ihren späten Arbeitszeiten (ab 18 Uhr Kino vorbereiten etc.) nicht wirklich familienkompatibel ist. Die Schaffung einer beruflichen Perspektive (aus dem Ehrenamt heraus) erschien mir zudem immer weniger erstrebenswert, zumal die Stellensituation in der Kulturkinoszene – gelinde gesagt – sehr dürftig ist. So ergab sich also die Hinwendung zur Verleiharbeit. Ganz ursprünglich hatte ich an ein Einzelunternehmen gedacht. Da mir aber die Idee demokratischer Strukturen (die es in der Arbeitswelt viel zu selten gibt) durch die Arbeit im basisdemokratischen Café Trauma absolut zusagt, prüfte ich die Möglichkeiten eines Vereins. Gemeinnützige Vereine genießen zwar auch Vorteile, aber von Wirtschaftsförderungen (auch in der Filmförderung ist 90% Wirtschaftsförderung) wird man ausgeschlossen. Vereine dürfen einen Geschäftsbetrieb nur als Nebenzweck betreiben.

Die Alternative dazu ist die leider noch zu unbekannte Geschäftsform der Genossenschaft, ein wirtschaftlicher Geschäftsbetrieb, der aber wie ein Verein demokratisch organisiert ist. Trotz der hohen Kosten dieser Geschäftsform – allein für die Gründungsprüfung durch einen Genossenschaftsverband muss man fast 2000 Euro bezahlen – erschien mir diese Rechtsform am zukunftsfähigsten. Allerdings war mir – in Anbetracht der Gründungs- und regelmäßigen Prüfkosten – sehr schnell klar, dass ich Drop-Out Cinema etwas größer planen musste.

Drop-Out Cinema
© Joachim Sperrl

Wie genau funktioniert ein genossenschaftlicher Verleih? Was unterscheidet euch von anderen Verleihern?

JvB: Als genossenschaftlicher Verleih sind wir offen für neue Mitglieder. Jedes Mitglied – ob natürliche oder juristische Person (z.B. ein Verein) – hat die gleichen Mitbestimmungsrechte. Unabhängig von der Zahl der gezeichneten Geschäftsanteile hat man gleiches Stimmgewicht, z.B. bei der Wahl der Vorstands oder des Aufsichtsrats, Änderungen der Satzung oder der Geschäftsordnung.

Die Mitglieder entscheiden über die Geschäftspolitik, z.B. über die Verwendung der Gewinne, die nicht ausgeschüttet werden sollen, sondern direkt in den Betrieb fließen. Insbesondere die Mitgliederkinos, bzw. die Mitglieder, die in Filmclubs oder sonstigen Kinoinitiativen aktiv sind, haben die Möglichkeit, in der Verleiharbeit aktiv zu werden, Rechte an Land zu holen, von denen dann nicht nur deren eigene Kinos nutznießen: Auch allen sonstigen Kinos werden diese Filme dann einfacher zur Verfügung stehen. Filmrechteclearing und Filmakquise bündeln wir bei Drop-Out Cinema, so dass Rechterecherchen nicht doppelt und dreifach betrieben werden. Die Kinos sind also nicht mehr alleine von den Verleihern abhängig, sondern haben nun auch die Möglichkeit, selbst in der Funktion des Verleihers aktiv zu werden. Wenn ein Kino von einem Film begeistert ist, der bislang noch keinen deutschen Verleih fand, können die im Rahmen der Infrastruktur von Drop-Out Cinema den Film selbst auf den Markt bringen. Insbesondere auch bei Klassikern wäre es zudem wünschenswert, einen deutschen Verleih zu haben. Sobald Filmrechte von Repertoire-Titeln zu „Hollywood Classics“ oder „Park Circus“ abwandern, sind die Filme im Grunde für die kleinen Kinos verloren. Hier verlangt man ja leider gerne mal 200$ und mehr für eine Vorführung. Kürzlich liefen bei „Neue Visionen“ etliche Lizenzen aus, wodurch diese Filme für die Kulturkinos unbezahlbar geworden sind. Und ich bezweifle auch, dass Repertoire überhaupt noch von irgendwelchen gewerblichen deutschen Verleihern angekauft werden, denn Repertoire rechnet sich – abgesehen von einigen Dauerrennern – einfach nicht. Hier wird man in Zukunft den teuren Lizenzagenturen ausgeliefert sein.

In der traditionellen Kinoverwertungskette „Produzent – Verleih – Kino“ ist die Mittlerrolle des Verleihs eine ziemlich mächtige. Produzenten sind vom Verleih abhängig, der ihre Filme vorfinanziert und später auswertet. Die Kinos auf der anderen Seite sind vom Verleih abhängig, dass er sie mit den Filmen beliefert bzw. lediglich die einfachen Nutzungsrechte erteilt – und zwar zu den Konditionen, die der Verleih festlegt. Dies ist natürlich einer ökonomischen Logik geschuldet und wenn man Film als bloße Ware betrachten würde, dürfte man zufrieden sein. Dass aber Film auch ein Kulturgut ist, hat die nicht am Profit orientierte Bewegung der Filmclubs und später die Kommunalen Kinos ins Leben gerufen, wo filmbegeisterte Kinomacher die vom Markt verschmähten Werke wieder zur Aufführung brachten, also Repertoire ebenso wie unabhängige Filme, die keinen Verleih fanden.

Wie kommt ihr an die Filme in eurem Programm? Gibt es in Deutschland ein Publikum dafür oder ist das Angebot als Nische im riesigen Sumpf der Großproduktionen gedacht?

JvB: Die Frage ist natürlich etwas tendenziös: Natürlich können auch Großproduktionen ganz wunderbare Filme sein. Insbesondere würde ich mir auch wünschen, dass man die Gelegenheit hat, außereuropäische bzw. US-amerikanische Großproduktionen hierzulande im Kino zu sehen. Gerade Mainstreamfilme aus anderen Ländern (Japan, Südkorea, China, Indien, Russland, Brasilien, Nollywood, etc.) sind ja der beste Einstieg in eine andere Kultur. Zudem wünsche ich mir auch mehr großproduzierte Klassiker im Kino. Insgesamt wünsche ich mir einfach ein viel breitgefächertes Programm in den Kinos, statt 20 Filmen könnten ja auch 40 oder 50 Filme pro Woche in einer mittleren Stadt wie z.B. Marburg laufen. Stattdessen – und das ist der Marktmechanik geschuldet – werden Filme wochenweise zigmal gespielt. ZIEMLICH BESTE FREUNDE blockierte ungefähr (gefühlt) 40 Wochen einen kompletten Kinosaal. Viele Filme, die es verdient hätten, konnten in diesem Saal nicht gespielt werden, weil der Film so erfolgreich war.

Wie also kommen wir an unsere Filme? Wir sind derzeit mit einer ganzen Reihe von Rechteinhabern und unabhängigen Filmemachern in Verhandlungen. Eine erste Verleihstaffel bestehend aus 12 Titeln hoffen wir Ende April anbieten zu können. Dann werden in unregelmäßigen Abständen – vielleicht einmal im Monat – weitere Verleihstaffeln folgen. Ein buntes Programm wird angestrebt, dass insbesondere Filmenthusiasten auch anregen sollte, vielleicht selbst vor Ort eine Filmclub-Initiative zu starten oder sich im Rahmen eines Kommunalen Kinos in der Nähe zu engagieren.
Mein Herz schlägt insbesondere für Genrekino und Experimentalfilme (und alles dazwischen), was sich sicherlich in der Filmauswahl niederschlagen wird.
Ob es dafür ein Publikum bereits gibt, wage ich nicht zu beantworten: Denn ich denke – und das ist die große Aufgabe der Filmenthusiasten in den KoKis und Filmclubs – ein solches Publikum muss man sich erst schaffen. Der Erfolg eines Films hängt ja sehr stark vom Marketing ab, weswegen bei Hollywood-Blockbustern nicht selten das Marketing-Budget ein Drittel der Herstellungskosten und mehr beträgt. Werbung für einen guten Film zu machen ist sicherlich einfacher, aber Hollywood schafft es ja auch mit schöner Regelmäßigkeit einen immensen Hype um mittelmäßige Filme zu erzeugen. Die Vermittlungsarbeit ist also sehr wichtig: da wird sicherlich Drop-Out Cinema auch einen Beitrag zu leisten können, wenn ein Werbebudget zur Verfügung steht. Eine Imagekampagne für das Kino als musealen Erfahrungsraum wäre z.B. flächendeckend denkbar, damit Publikum und Kinobetreiber Lust bekommen, Klassiker im Kino zu erleben. Dafür ließen sich sicherlich bei der Filmförderung Geldtöpfe anzapfen. Es muss sich nur jemand die Mühe machen einen entsprechenden Antrag zu stellen. Nur so wird sich ein breiteres Publikum jenseits elitärer Kreise zum Besuch eines Repertoirefilms bewegen lassen.

Bei der Programmgestaltung im Traumakino haben wir natürlich sehr viel experimentiert und da gab es auch häufiger dürftige Besucherzahlen. Um so schöner aber dann, wenn Nischenvorführungen wie das Troma-Trash-Movie SURF NAZIS MUST DIE! oder Alejandro Jodorowskys SANTA SANGRE oder ein Abend mit Pornfilmfestival-Kurzfilmen brechend voll waren. Dann hat sich unser ja doch sehr verschnarchtes Marburg ein bisschen wie NYC oder Berlin angefühlt. Tatsächlich habe ich aber die mit 10-12 Kinogästen besuchten Vorführungen von REFLECTIONS OF EVIL, ARREBATO oder VALERIE – EINE WOCHE VOLLER WUNDER fast noch mehr genossen, insbesondere weil man im Anschluss an den Film doch eher ins Gespräch mit dem Publikum kam. Als Kinomacher habe ich versucht, auf lokaler Ebene ein Publikum für diese Filme zu finden. Nun versuche ich das auf der Ebene des Verleihs – und dank genossenschaftlicher Struktur kann jeder mitmachen. Insbesondere die sozialen Medien werden dabei eine große Rolle spielen.

Ihr wollt Filme ohne Mindestgarantie anbieten. Was bedeutet das für die Kinomacher?

JvB: Üblicherweise verlangen Verleiher eine Mindestgarantie in Höhe von 80-130 Euro, selbst bei einzelnen Aufführungen, bei denen es völlig unrealistisch ist, dass genügend Publikum zusammenkommt. Dies bedeutet, dass Kulturkinos häufig drauflegen müssen, d.h. der Kinobetrieb kann nur über Subventionen oder Spenden oder – wie beim Café Trauma – durch interne Quersubventionierung durch ertragreichere Veranstaltungen finanziert werden. Beim uns gibt es gottseidank! eine erfolgreiche wöchentliche Partyveranstaltung, die Geld in die Kassen spült. Aufs Jahr gerechnet machen wir sicherlich 4000-5000 Euro Miese durch den Kinobetrieb. Zuschüsse von Stadt und Land sind äußerst dürftig. Und es geht alles ehrenamtlich zu.

In welchem Format werden eure Filme geliefert? Wie muss das Kino ausgestattet sein?

JvB: Langfristig werden wir versuchen, sämtliche Formate verfügbar zu machen. D.h. DVD bzw. BluRay für die Spielstellen ohne Kinoserver, DCPs für die Spielstellen mit Kinoserver (E-Cinema oder D-Cinema), 35mm in Kooperation mit Archiven. Das Analogabspiel ist unbedingt erhaltenswert und auch – wie ich finde – förderungswürdig. Es ist eine Schande, dass im Zuge der Digitalisierung überall die voll funktionsfähigen Projektoren rausgebaut werden. Das Modell des Hybrid-Kinos (digital und analog) müsste eigentlich staatlich gefördert werden. Mit jedem Ausbau einer 35mm-Anlage ist ein Kino weniger in der Lage, bei Bedarf auch mal zum Filmmuseum zu werden und originale 35mm-Prints zu spielen. Wir hoffen, ein Modell zu entwickeln, dass die Kosten für 35mm-Abspiel auch in Zukunft (für Repertoire-Titel) ermöglicht.

Was wünscht sich “Drop-Out Cinema” für das heimische Kino?

JvB: Eine kleinteilige Kinolandschaft bis in das kleinste Dorf hinein mit einem starken Bürgerengagement und viel cinéphiler Hingabe. Eine Überwindung der Spaltung in Arthouse-Mainstream und Multiplex-Mainstream zu Gunsten einer Zersplitterung der Publikums-Geschmäcker.
Eine neue Wertschätzung von Kino als Erlebnisraum. Weniger Aufmerksamkeit für die belanglosesten neuen Kinofilme, und mehr Aufmerksamkeit für Klassiker-Wiederaufführungen. Überhaupt wäre es schön, wenn es weniger Hype um „das Neueste“ zugunsten eines allgemeinen Interesses für das Gestrige gäbe.
Mehr Filme im Originalton mit Untertiteln.
Mehr kreative Programmarbeit und viel mehr demokratische Strukturen. Am besten sollten alle Kinos in Genossenschaften oder Vereine umgewandelt werden oder sollten sich zumindest für Programmräte öffnen.

Das Interview führte Jennifer Borrmann

08.04.2013

Hört doch mal rein!

Die komplette Übersicht über die Preisträge gibt’s hier. Es wird immer viel diskutiert im Vorfeld unter Journalisten und Zuschauern. Und immerwieder zeigt sich, dass bei allem Können und Wissen der professionellen Journalisten die Wahrnehmung und Rezeption von Filmen letzten Endes doch auch subjektiv geprägt ist. Dementsprechend unterschiedlich fallen die Kritiken aus und dementsprechend kann eben höchstens diskutiert werden. Wirkliche Prognosen sind nicht sinnvoll.

Ganz generell hat die internationale Jury um Wong Kar-Wai sehr gekonnt und diplomatisch entschieden. In den letzten Tagen haben sich drei Filme herauskristallisiert, die sich berechtigte Hoffnungen auf den Goldenen Bären machen konnten. Zum Einen die beiden Filme, in denen jeweils eine starke Frau Ende 50 im Mittelpunkt stand, wenn auch in ganz Unterschiedlichem Kontext. “Gloria“, ein chilenischer Beitrag, und “Child’s Pose” aus Rumänien (sehr treffend hier die Synopse). Als dritter im Bunde gesellte sich gestern noch „Harmony Lessons“ aus Kasachstan hinzu.

Sehr wahrscheinlich war, dass einer der beiden „Frauenfilme“ wohl den Goldenen Bären gewinnt und der andere den Silbernen Bären für die beste Hauptdarstellerin, denn beide Filme sind eindrucksvoll und ziehen dies vor allem aus der Leistung ihren Hauptdarstellerinnen (Stichwort One-Woman-Show). So kam es dann auch: Paulina García gewinnt für ihre Gloria den Hauptdarstellerinnenpreis, die Macher von “Child’s Pose” durften den Goldenen Bären entgegennehmen. Während die meisten Preisträger „I don’t know what to say“ ins Mikro murmelten, um umgehend einen Zettel aus der Jackettasche zu ziehen, auf denen die Namen derer standen, denen nun gedankt werden soll („My lovely friend and director“, „My wife“, etc.), hielt die Produzentin von „Child’s Pose“ eine seltsam unemotionale, fast schon wütende Rede, in der sie unter Anderem denen dankte, die sie in der Vergangenheit kritisiert hätten, denn diese hätten sie nur noch stärker gemacht. Und sie dankte den Frauen vor und hinter der Kamera, den eigentlichen Gewinnern dieser Berlinale. Das kann man in der Tat so und wirklich ironiefrei unterschreiben.

„Harmony Lessons“ zeichnete sich auch vor allem durch seine Bildsprache und –anordnung aus, auffallend war die extrem ruhige und streng symmetrische und von geometrischen Formen wie Fenstern oder Schultafeln eingerahmte Bildgestaltung, die den Film entscheidend mitprägen. Dementsprechend ist der Silberne Bär für herausragende künstlerische Leistungen auch die richtige Auszeichnung.

Viel wurde unter den Zuschauern diskutiert, wie die Jury denn mit Jafar Panahis „Pardé“ umgehen wird. Der Hauptpreis wäre gerechtfertigt gewesen, die Auszeichnung dann allerdings nicht frei von politischen Beweggründen und sie würde somit künstlerisch anspruchsvollere oder andere wertvolle Filme eventuell in den Hintergrund drängen. Eine Nebenkategorie wie z.B. der Alfred-Bauer-Preis zur Eröffnung neuer Perspektiven der Filmkunst würde die Produktionsbedingungen und die Lebenssituation Panahis nicht ernst nehmen. So gab es den Silbernen Bären für das Beste Drehbuch. Das ist eine keineswegs unbedeutende Kategorie und belohnt Panahi und Kamboziya Partovi für die ungewöhnliche und beeindruckende Erzählstruktur. Auch das eine sehr gute Entscheidung.

A propos Alfred-Bauer-Preis. Der ging an „Vic+Flo haben einen Bären gesehen“  (was da schon für Wortspiele gemacht wurden, auch der Regisseur konnte es sich nicht verkneifen, als ihm die Trophäe überreicht wurde). Dieser Film wurde so gespalten aufgenommen, wie kein zweiter im diesjährigen Wettbewerb. Von höhnischem Gelächter bis hin zu überbordender Begeisterung. Ein Kommentar hierzu fällt schwer. Nachdem sich in der Pressevorführung 30 Sekunden nach dem obligatorischen Berlinale-Trailer der Kollege zur Linken in den Schlaf flüchtete und der Kollege eine Reihe weiter hinten im 2-Minuten-Takt nicht nur umständlich mit seiner Regenjacke raschelte, sondern dazu auch noch herzhaft gähnte, spielte der Autor dieser Zeilen seinen einzigen Joker im Wettbewerbsmarathon aus und verließ nach 40 endlos wirkenden Minuten, in denen unter Anderem blaue Kinderplanschbecken durch kanadische Wälder getragen werden, den Kinosaal, nicht wissend, ob er lachen oder weinen soll.

Anyway, bei allem Gemecker und trotz mancher Enttäuschung: Es war natürlich wieder großartig, von 9.00 morgens bis 9.00 abends im Kino zu sitzen, Filme zu sehen, die man sonst nie gesehen hätte, Leute aus aller Welt kennen zu lernen, Matt Damon zu sehen und, und, und. Hat wieder großen Spaß gemacht. Hoffentlich bis zum nächsten Jahr!

NACHTRAG: Beispiel für die typische Berlinale-Berichterstattung gefällig? Hier eine, sagen wir, kritische Würdigung des Wettbewerbs von Jan Schulz-Ojala.